Category Archives: Estilos visuales

Lingotto, la fábrica de Fiat que tenía un circuito de carreras en la azotea

Lingotto fue sin lugar a dudas uno de los edificios más interesantes del mundo. Construido entre 1916 y 1923 en Turín, la planta de estilo futurista se dividía en un sector central donde se ubicaban las materias primas del día y las prensas para fabricar las carrocerías y luego una linea de producción continua en forma de espiral que seguía la silueta ovalada del edificio principal. Inspirada en los innovadores métodos de producción en masa desarrollados por Henry Ford en 1913, la linea de Lingotto funcionaba como una linea de ensamblaje tradicional. Es decir, los vehículos ingresaban a la linea y a medida que avanzaban a través de esta iban siendo completados de manera serial. La diferencia entre el edificio de la Fiat y todas las otras lineas de producción es que esta linea también tenía un componente vertical: la misma era un espiral de 5 pisos. Al llegar al último nivel se accedía a una enorme compuerta desde la cual se salia a la azotea.

Cuando el vehículo llegaba a la azotea el mismo estaba terminado, por lo que sólo quedaba probarlo. Por supuesto que todo estuvo en los planes de Matté Trucco, el arquitecto que construyó la fábrica, y la azotea era un enorme circuito de pruebas continuo en el cual se realizaban todos los controles necesarios. Los extremos del ovalo estaban oportunamente inclinados y además eran curvados, lo que facilitaba doblar a altas velocidades. Durante los tiempos libres los obreros y empleados de la Fiat podían correr carreras utilizando los coches deportivos que estuviesen disponibles al momento.

La fábrica funcionó durante 71 años y en ella se construyeron 81 modelos distintos, cerrando su producción por completo en 1981 debido a que la organización de la fábrica y la distribución del espacio no eran compatibles con las técnicas de producción modernas. Como ocurre con tantos otros bellos edificios de antaño, gran parte de Lingotto fue reconvertida en un centro comercial, otra parte se convirtió en un pequeño hotel y el que era el sector administrativo fue donado a la Universidad de Turín.

Otras pistas de azotea
Lingotto fue la primera pero no la única pista de carreras en una azotea en el mundo. Otros dos ejemplos fueron la fábrica de Imperia en Bélgica, la cual tenía una pista de 1 km de largo que pasaba parcialmente por su azotea y el edificio Edificio Chrysler en la Argentina, el cual tiene una pista de carreras redonda e inclinada en su azotea.

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Corea del Norte, el último gran exportador de estatuas gigantes

Corea del Norte sufre en la actualidad de incontables sanciones internacionales que limitan su capacidad de comercio exterior. Incluso la misma China que hasta hace algunos años apoyaba al país peninsular de manera inquebrantable ha comenzado a ejercer cierto rechazo contra el nuevo gobierno e imponer severos castigos. No obstante, hay algo en lo que, al menos en el presente, nadie puede reemplazarlos: la construcción de estatuas gigantescas a bajo costo.

Corea del Norte es el último país del mundo donde el estilo artístico, arquitectónico y estético denominado como realismo socialista aun permanece vigente y dominante. Este estilo, reconocible a primera vista y representado por obras tales como las pinturas de Gerasimov o la emblemática estatua El obrero y la koljosiana (de la cual ya hemos hablado en Anfrix, la misma fue el producto de la competencia de la preguerra entre Alemania y Rusia) se caracterizó entre otras cosas por la utilización constante y prácticamente omnipresente de estatuas de gran tamaño.

La gran mayoría de las enormes estatuas fabricadas en Corea del Norte tanto para su utilización local como para la exportación provienen de una sola fabrica que emplea el trabajo de más de 4500 artesanos, carpinteros y herreros. La misma fue establecida en 1959 en el distrito de Mansudae tanto para la producción de estatuas como para la impresión de elementos de propaganda gráfica. El “Estudio Mansudae”, como se lo suele denominar, es la compañía más próspera del denominado Buró 39, el organismo enfocado en el comercio internacional de dicho país. El cual se cree es también el mayor productor a nivel mundial de billetes falsos de 100 dólares, según estima el Departamento de Estado de los Estados Unidos.

Sus clientes internacionales son variados, desde países africanos, como es el caso de Senegal quienes pagaron 27 millones de dólares por una estatua de 49 metros denominada “El Renacimiento Africano” en el 2010 (esta no es sólo una estatua, sino que se puede ingresar a la misma y ascender hacia un mirador superior). Al igual que Senegal varios otros países de África como el Congo, Etiopía, Zimbabwe, Angola, Chad y Benín entre otos han comisionado estatuas por cientos de millones de dólares.

No sólo países contratan los servicios norcoreanos, magnates como la familia Benetton y museos como el Museo nacional de Camboya han adquirido los servicios del estudio. Generalmente los contratos internacionales se realizan a través de una compañía basada en Italia la cual es simplemente una oficina que sirve como canal de comunicación entre Pier Luigi Cecioni, el director de la compañía, y el gobierno de Corea del Norte. Quizás esta sería una historia pintoresca si no fuese por los hechos anteriormente mencionados. La mayoría de las estatuas son adquiridas por países extremadamente pobres en África, quienes pagan en efectivo ya que debido a las sanciones no se pueden realizar transferencias bancarias hacia el país asiático. Por ejemplo Namibia hizo en el pasado encargos por más de 100 millones de dólares mientras que Zimbabue despilfarró docenas de millones de dólares en dos estatuas del dictador Robert Mugabe, las cuales actualmente se encuentran en un depósito y serán utilizadas cuando este, actualmente en sus 92 años, pase a mejor vida.

Koyosegi, los asombrosos rompecabezas mecánicos de madera japoneses

Los koyosegi son la mezcla perfecta entre el arte y la ingeniería. Éstas cajas, que pueden ser tanto rompecabezas mecánicos como combinaciones y series de trabas, obtienen parte de su nombre del yosegui, una antigua técnica de carpintería en la cual se unen distintos tipos de madera para formar patrones de formas y colores. Luego, mediante la utilización de garlopas, se extraen finas capas de cada patrón creando así delgadas láminas de madera decorativa que se utilizan para cubrir cajas u otros adornos.

Los mecanismos llenan la mayor parte del volumen interior de las cajas, y sólo tras descubrir la manera de accionar casa uno se podrá ir accediendo de manera secuencial a los niveles más altos. Generalmente el objetivo de éstas cajas radica en ir resolviendo los rompecabezas hasta llegar a un compartimiento final, el cual puede contener una sorpresa o un premio.

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Gongbi, el estilo de pintura más antiguo sin interrupciones

Considerada como la tradición y estilo de pintura más antiguo que se ha realizado continuamente, es decir, nunca quedó en desuso y desde hace más de dos mil años siempre hubo una transferencia directa de maestro a alumno, el estilo gongbi tiene sus orígenes hace unos 2000 años durante la dinastía Han y fue popular hasta el siglo XIX. Si bien durante el siglo XX estuvo a punto de desaparecer, gracias a distintos artesanos y artistas interesados por preservar ésta tradición milenaria prontamente varios alumnos comenzaron a aprender el método y las tradiciones de pintura llevando a un renacimiento, y hoy en día hay miles de maestros que la emplean regularmente. El estilo que se utiliza en el presente, no obstante, tuvo su origen en el siglo VIII, cuando se reemplazo el papel de fibra por la seda.

Gongbi, que significa “pincel meticuloso”, es una técnica en la cual se utilizan lienzos de fina seda y bloques de tinta china solubles en agua. La diferencia con otros estilos de pintura asiática es que los contornos se marcan de manera fuerte y definida.Quizás lo más interesante de ésta técnica es que la seda no es absorbente, por lo que la persona realizando la pintura no puede tocar el lienzo ya pintado en ningún momento. Tras ser terminada un proceso de secado hace que los pigmentos se adhieran a la seda. Si bien generalmente se representan paisajes, las obras gongbi más importantes son los “relatos”, es decir, fábulas, sucesos históricos y acontecimientos representados en un largo lienzo.

El Planeta Salvaje

El Planeta salvaje -La Planète Sauvage- es una de mis películas animadas preferidas. La misma, lanzada en el año 1973 por René Laloux, relata una interesante historia de ciencia ficción el la cual los Oms -como se llama a los seres humanos en el futuro- deben convivir con los Draags , gigantescos y longevos alienigenas que ven a los humanos como pequeños e inocentes animales. Realmente estamos ante una película que influenció increíblemente la manera de imaginar mundos extraterrestres.

La feroz competencia de 1937 entre Alemania y la Unión Soviética

La Alemania Nazi y la Rusia Soviética fueron sin duda alguna dos regímenes que comprendieron y explotaron al máximo el concepto de propaganda política. No obstante, y en un evento único en la historia, sería en la Exposición Mundial de Paris de 1937, el la cual el pabellón Alemán se encontraba directamente enfrentado al pabellón Ruso, en que estas metodologías de adoctrinamiento fueran utilizadas simplemente como competencia estética y artística.


Postal histórica, ambos pabellones enfrentados y de fondo (en la otra orilla del Sena, la Torre Eiffel)

Sin duda alguna ambas naciones presentaron un espectáculo visual magnífico, ya que la misma no era una exposición más, sino que de hecho se convertiría en una batalla simbólica entre Rusia y Alemania. Algo que queda claro al ver los organizadores de cada pabellón. Del lado alemán Hitler y su visionario arquitecto Albert Speer, junto al escultor Arno Breker; del lado soviético Stalin y un bureau de diseño conformado por los mejores diseñadores y arquitectos soviéticos como los mundialmente famosos Konstantin Melnikov y Vera Mukhina. El objetivo: ver quien lograba el pabellón más espectacular, más épico de todos.

El pabellón ruso

El pabellón ruso intentaba dar, a simple vista, la idea de que la fuerza de la Unión Soviética estaba en sus trabajadores y campesinos, el proletariado en si mismo. Esto puede notarse al observar que el centro de la estructura, capaz de captar toda la atención a primera vista, es la magnífica escultura por Vera Mukhina hallada en el tope del edifico, en la cual el obrero y la kolhoz -o koljosiana, campesina comunal-, representando al proletariado, sostienen la hoz y el martillo para formar el emblema soviético (hoy reubicada en Moscú).

En el interior del mismo se mostraba una exposición de la subida al poder de los bolcheviques en Rusia (revisada específicamente por Stalin con el fin de que no se le diese crédito a Trotsky ni su hermana Olga) y el futuro de la Revolución Comunista en el mundo. Como por ejemplo, el modelo a escala del Palacio de los Soviéticos que puede observarse en las imágenes.

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El pabellón alemán

Su empírica mega-estructura uniforme y perfectamente simétrica intentaba transmitir un mensaje de solidez y fortaleza, dar una sensación de inamovilidad con solo verla. Su interior, rico y finamente decorado, a manera de museo y grandes salones, intentaba dar idea de la riqueza alemana. En el mismo se exponían piezas que explicaban la visión a futuro de Hitler y multitud de esculturas. Siendo la pieza central una enorme maqueta compuesta por miles de piezas meticulosamente talladas de la Berlin que construiría Albert Speer a futuro. En el interior, así también, podían encontrarse ejemplos de la industriosa Alemania Nazi, como era la exposición del prototipo de carreras de Mercedes Benz visto en esta imagen.

La enorme águila de 9 metros ubicada en el tope sería diseñada por el mismísimo Kurt Schmid-Ehmen, y construída de bronce macizo. La misma ganaría el Gran Premio de la República Francesa, y su imponente estética sería copiada hasta el hartazgo durante todo el siglo XX.

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Enlaces relacionados
Pabellones de otros países
Catalogo de imágenes de la Universidad de Northwestern

El Arca Rusa

Hace unas semanas estaba viendo la película de Alfred Hitchcock llamada Rope, filmada en 1948 y famosa por ser uno de los únicos largometrajes realizados en una sola toma. Sin embargo, las limitaciones tecnológicas de la época llevaron a que la película deba ser interrumpida sólo para cambiar la cinta de la filmadora cada 8 minutos. Los actores se mantenían inmóviles y rápidamente veíamos al equipo de filmación apresurarse para cambiar el rollo, acto seguido los actores “revivían” y la película continuaba.

La coproducción rusa-alemana llamada “El Arca Rusa”. Con sus 96 minutos, 2000 actores, 33 habitaciones y sus 3 orquestas que en vivo que musicalizan la obra, ciertamente es una de las películas más llamativas que vi hasta el momento. Quizás rareza para quien no suela ver este tipo de cine, la película se caracteriza por la rara fluidez entre sus “tomas”. En mi opinión el director supo ingeniárselas para contar una historia diferente de una manera absolutamente novedosa.

La historia
El director sirve de narrador anónimo detrás de la cámara, la cual viaja como si fuera el fantasma de un hombre que vaga por el Palacio Winter topándose con todo tipo de personajes y situaciones. Un viaje en el que el tiempo y el espacio no son un impedimento, y en el cual veremos habitantes del palacio en sus distintas épocas. Solo un personaje acompaña al fantasma en su viaje, “el europeo”, un viajero que sirve de mediador entre el fantasma y los habitantes del palacio.

Es muy difícil explicar la película sin arruinarles la historia, por lo que termino mi resumen aquí y solo les dejo el trailer para que vean de lo que trata:

Falsa maqueta o tilt-shift, cómo hacer que tus fotografías parezcan miniaturas

La técnica se denomina “Tilt-shift-photography” y se basa en un efecto óptico para el cual se manipulan las lentes de la cámara con el fin de crear la ilusión de una “falsa maqueta”. En palabras más simples: se modifica la óptica para que objetos del mundo real, como árboles o edificios, parezcan miniaturas en la fotografía.

Esta falsa miniatura se logra al manipular el sensor óptico de la cámara, haciendo que no este en el ángulo correcto con respecto al eje de las lentes. Así, se logra causar un gradiente de foco que confunde al ojo al alterar el campo de profundidad -muchos herbivoros, al carecer de visión binocular, no pueden establecer un campo de profundidad, por lo que ven el mundo de forma un tanto similar las imágenes creadas con esta técnica-

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La Gramática del Ornamento

The Grammar of Ornament escrito hace más de 150 años por el ilustrador Elizabetano Owen Jones nos ofrece un paseo didáctico por la estructura y el significado de los ornamentos gráficos antiguos. Desde los tiempos egipcios hasta el renacimiento pasando por la cultura céltica, Grecia, Roma y el Medioevo. Todas estas explicaciones, además de ser realmente esclarecedoras, están acompañadas de hermosas ilustraciones y esquemas que nos permitirán aprender mediante ejemplos visuales el significado de los símbolos y estilos que decoraban los libros, paredes y el arte de algunas de las más influyentes civilizaciones. Ciertamente una de las obras de referencia y estudio sobre la gráfica y el diseño de las civilizaciones antiguas más importantes alguna vez creadas.

Puedes ver el libro completo en ésta galería virtual de la Universidad de Wisconsin.

La Luna, vista por las películas

El archivo George Eastman House es una colección fotográfica denominada “The Moon – for real & in fiction” -La Luna – Real y en ficción-. Es un interesante y pictórico paseo por 90 fotografías de la Luna representada en distintos trabajos de ficción, desde la película de Wells donde no era más que una pelota arrugada hasta las exactas recreaciones de hoy en día.

No se a ustedes pero a mi me resulta de mucha curiosidad que algo que prácticamente ha sido visto por todos y cada uno de los seres humanos que han habitado este planeta a lo largo de la historia pueda ser a veces tan mal interpretado y recreado.

Halucii

En el pasado habíamos hablado sobre Escher y su arte matemático, en el cual mundos imposibles confundían nuestros sentidos al punto de hacernos dudar de la realidad misma. Con este espíritu nace Halucii, una animación en 3D que toma varios de los conceptos de Escher creando un mundo conflictivo para un personaje muy singular.

La ilusión óptica de Adelson

Un buen pintor renacentista dijo: “No se debe ignorar, que de la paleta, es el contraste el color más importante”. De hecho estaba en lo cierto, el contraste y sus propiedades son tan importantes que son capaces de crear varios colores de un mismo color sin modificarlo. Esto, que a simple vista parece un trabalenguas, se entiende más facilmente con la ilusión óptica de Adelson propuesta en 1995. El cuadrado A y B poseen exactamente el mismo color, la única diferencia entre ambos son las zonas con las que contrastan, haciéndolos, perceptivamente, verse diferente.

La razón de este fenómeno radica en la manera por la que nuestro sistema visual estima los vectores luminicos y utiliza esta información para predecir las propiedades del material. El fenómeno, efectivamente, es una arbitrariedad perceptual producida por nuestro cerebro.

El efecto Droste

Creo que a esta altura es muy difícil que alguien no haya visto alguna vez en su vida alguna representación del efecto Droste. Quizás en cuadros o caricaturas donde el personaje parece perderse en una infinita repetición de si mismo y su entorno, o tal vez, sin saberlo, lo hemos realizado nosotros mismos apuntando una webcam al monitor o haciendo que dos espejos se enfrentasen mutuamente en una guerra de repeticiones. A pesar de su popularidad muy poca gente conoce su origen, y es que este es más bien un tanto oscuro y casual. Todo comenzó con la original publicidad de una marca de chocolate Holandesa llamada, no casualmente, Dronste. En uno de sus envases más famosos colocaron la imagen de una enfermera cargando una bandeja de chocolate que, a su vez, contenía una lata de chocolate Dronste la cual en su frente llevaba dibujada la misma escena de la enfermera. Así, la imagen, parecía repetirse infinitamente una y otra vez. El envase quedaría en la memoria de muchos y sería el escritor Nico Scheepmaker quien popularizara la frase en 1970 al utilizarla en una de sus columnas periodísticas como descripción de un hecho circular.

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Galería de imágenes representando el efecto Droste.